Avete mai passato del tempo a immaginare il Futuro, con la “f” maiuscola? Avete mai pensato ad apocalissi psichiche, sociopatici superpotenti e scintillanti sequenze di azioni cyberpunk? Se qualcuno di questi scenari vi è familiare, siete nel posto giusto.
Sin dal suo esordio sulle pagine di Weekly Young Magazine nel 1982, l’innovativo racconto epico postmoderno Akira di Katsuhiro Otomo è stato salutato come un trionfo pionieristico non solo dei manga giapponesi, ma della fantascienza nel suo insieme. Avendo influenzato quasi tutti i principali mangaka che sono venuti dopo di lui, con riferimenti e omaggi che ricoprono le pagine di Naruto di Masashi Kishimoto, Dragon Ball di Akira Toriyama e Berserk di Kentaro Miura tra gli altri, Otomo ha creato una rara opera d’arte che trascende il suo mezzo attraverso la sincera mostra filosofica della narrazione che comporta.
Seguendo una compagnia di personaggi in una società post-apocalittica nel bel mezzo di una serie di catastrofi mondiali basate su esperimenti segreti del governo su bambini con poteri psichici, Akira è spesso considerata l’apice di un “concetto elevato”. L’opera è notoriamente difficile da riassumere in termini di trama e concetti tematici, tratto che condivide con il suo adattamento cinematografico del 1988 (diretto dallo stesso Otomo).
Giù nella tana del coniglio fino all’inferno
Akira è un manga seinen (18+), serializzato dal 1982 al 1990, ambientato nella città immaginaria di Neo-Tokyo nel 2019 dove, 37 anni prima, una misteriosa esplosione ha distrutto la Tokyo originale, portando a una storia alternativa in cui la prima guerra mondiale si è verificata negli anni ’80. La storia inizialmente sembra concentrarsi su una banda di motociclisti nota come The Capsules, guidata da Shōtarō Kaneda, il personaggio protagonista (anche sfacciatamente antipatico) che sembra rappresentare una decostruzione satirica sottilmente velata del tipico eroe dei bambini giapponesi dell’epoca, essendo un teppista adolescente bello, ma stupido.
Di maggiore importanza per la composizione complessiva è il suo subalterno, l’invidioso e insicuro Tetsuo Shima, l’archetipo del personaggio di “supporto”. L’incidente scatenante dell’epopea di Otomo si verifica quando si scopre che Tetsuo ha potenziali capacità psichiche e diventa interessante per il misterioso e sempre presente colonnello Shikishima, leader di un’operazione governativa segreta che ricerca questi strani poteri nei bambini.
La premessa di Akira sembra creare un conflitto tra l’operazione del governo del colonnello (i cui esperimenti sono responsabili della distruzione dell’originale Tokyo) e una banda di combattenti per la libertà che include l’interesse amoroso di Kaneda, Kei. Tuttavia, Otomo sovverte questa aspettativa attraverso l’uso abile di una costante escalation nell’azione che fornisce, facilitata dal suo impareggiabile senso della sequenza visiva. Invece di questa parabola morale chiara e riconoscibile, Akira offre un senso dialettico molto più cerebrale e ritrae una lotta sempre più disperata tra i personaggi mentre le loro alleanze si disgregano nel bel mezzo dell’ascensione di Tetsuo a uno stato quasi divino con i suoi poteri telecinetici che diventano sempre più forti e lui sempre più distruttivo.
Quello che inizia come un’avventura futuristica ad altezza di strada si sviluppa a una velocità vertiginosa e inesorabile in un’apocalisse biblica mentre i rimanenti sensitivi superpotenti si scontrano con Tetsuo, i cui poteri competono con quelli degli eserciti del mondo, ma la cui instabilità emotiva e incapacità di controllare quei poteri lo portano a commettere atti di violenza sempre più orribili e subire dolorose mutazioni nel suo corpo.
Benvenuti in una post-apocalisse
Al centro della comprensione di Akira c’è la scoperta della corrente apocalittica presente nella cultura giapponese e che ha portato al debutto del manga nel 1982. Non mancano, nel manga come nell’anime, esplosioni di massa e edifici abbattuti che ricordano gli attacchi nucleari del 1945 che hanno posto fine alla seconda guerra mondiale. Nell’immaginazione di Otomo, questi eventi sono stati solo i primi di una serie di armageddon sempre più devastanti, culminati con l’emergere di super armi viventi e infine con lo stesso Tetsuo.
Tetsuo funge sia da figura ossessivamente personale in termini della sua vita di giovane disamorato e svantaggiato cresciuto in una società dilaniata dalla guerra, sia come simbolo terrificante del pericolo intrinseco di un potere illimitato e incontrollabile con le sue esplosioni spietatamente distruttive.
Per molti versi, Akira può essere immediatamente compreso come la storia di Tetsuo e, in questo senso, il manga è meglio descritto come una prima parabola contemplativa completa sul concetto di un Superman malvagio, dotato di una brutalità iperreale e di un devastante realismo fisico. Tetsuo, spesso vestito con un mantello simile, è raffigurato come le conseguenze da incubo amalgamate di una società irresponsabile nei confronti dei suoi figli e dominata dalla guerra: un giovane delinquente di strada violento e tossicodipendente che si trasforma in un dittatore pazzo, un mostro immortale così consumato dagli effetti narcotici del suo stesso potere che sussume la sua stessa identità.
In questo senso, la storia di Otomo può essere letta in molti modi come una satira sull’intrattenimento per bambini giapponesi contemporanei, come l’allora nuovo Mobile Suit Gundam, che glorificava la passata militarizzazione del Giappone, evidenziando una cultura che si rifiutava infantilmente di imparare dal proprio passato. Trasformato in un’affascinante meditazione sulla natura intrinseca del potere di corrompere e su come un bambino potente ma trascurato possa portare alla fine dell’umanità, Akira diventa un commento sui pericoli per il pubblico nel ritrarre una fantasia di potere violento come intrattenimento.
Un tratto unico, con una storia unica
Per la maggior parte delle persone al di fuori del Giappone, Akira è probabilmente il loro primo contatto con il mondo dei manga e degli anime. Il manga originale è un’opera epica e il film è senza dubbio uno dei migliori film d’animazione mai realizzati.
L’inizio di Akira è coinciso con quello della nuova rivista Young Magazine il cui editore ha fatto visita ad Otomo chiedendogli ripetutamente di scrivere qualcosa per loro.
Inizialmente la storia doveva svilupparsi in dieci episodi, piuttosto brevi e realizzati velocemente (all’epoca l’autore era alle prese con altri impegni). Nessuno si aspettava il successo che poi Akira ha avuto. In generale, Otomo ha cercato di rendere omaggio ai titoli preferiti che leggeva da bambino. Per lui, c’erano tre grandi autori di manga che rispettava davvero: Osamu Tezuka, Shotaro Ishinomori e Mitsuteru Yokoyama.
Akira dimostrerà lo stile di Otomo in tutto il mondo. Il mangaka sceglie un tratto che possa raccontare in maniera indiretta i designer di mecha che ammirava. Quando si avvicina ai suoi progetti, lo fa in modo molto logico. Pensa molto seriamente all’intero progetto, a cosa può fare e come dovrebbe essere. In questo senso, il suo lavoro è molto approfondito e completo.
Un antidoto per continuare a sognare
Akira è arrivato al culmine del movimento cyberpunk nella fantascienza internazionale, con il manga che ha debuttato accanto a film come Mad Max 2: The Road Warrior e Blade Runner insieme a letteratura notevole come Neuromante di William Gibson. Molti dei dilemmi più filosofici di questo sottogenere riguardano l’evoluzione della creatura umana e l’apparente malleabilità della realtà di fronte ai progressi tecnologici, come lo sviluppo di narcotici che alterano la mente e l’intelligenza artificiale. Otomo ha combinato questi temi fantascientifici emergenti con il suo genere di fantasia, costruendo gradualmente gli elementi del realismo magico nelle sottili esibizioni dei poteri del suo personaggio con un risultato affascinante, se non terrificante.
Come manga, è un’ulteriore prova dell’adagio secondo cui ogni aspetto di un’opera d’arte dovrebbe restare unito come un’unità coesa. Ciò che è così degno di nota di Akira nella sua esemplificazione di questa disciplina sono i drastici cambiamenti di tono e scala attraverso i quali la narrazione accompagna il lettore man mano che la carneficina si accumula, attraverso selvaggi inseguimenti di auto a reazione in strutture governative segrete e guerre tra bande che sfidano la morte terre desolate post-apocalittiche.
È proprio immergendosi nella Neo-Tokyo di Otomo e nel suo costante e onnipresente spettro di decimazione per i capricci di esseri psichici divini che il lettore sperimenta un senso di immersione che raramente è stato eguagliato in qualsiasi altro mezzo. Otomo credeva nell’arricchimento completo di questo mondo sull’orlo dell’annientamento, e quindi nessuna pietra viene lasciata intatta anche se le pareti e i soffitti dei grattacieli di Neo-Tokyo crollano per la pura forza psichica.
Ma cos’è che rende un’opera sempre attuale anche dopo il passare di tanti anni? Forse la vera ragione dietro la sua influenza e la sua longevità è la sua natura intransigente, che si espande in un grande spettacolo politico e si ritira per momenti più intimi della lotta, accendendo la narrazione con uno stile tale che continua ad essere emulato quasi 40 anni dopo il suo debutto. È una composizione che tiene insieme grazie alla singolare visione dell’artista Otomo e, nonostante la sua lunghezza di oltre 2.000 pagine, è questa dedizione all’equilibrio nella sua storia che premia le riletture della serie.